Skira

La ricerca di Cézanne della verità in pittura sembra voler individuare un percorso capace di costruirsi attraverso una relazione profonda con la geologia della realtà: ogni sua pittura è la lenta realizzazione di un'architettura del quadro definita da tale necessità. Al di là delle analogie che possono essere proposte con i problemi affrontati nel primo decennio del ventesimo secolo dai protagonisti del moderno anche in architettura, l'atteggiamento di Cézanne nei confronti della propria disciplina può essere un modello anche oggi nella condizione della attuale crisi della cultura architettonica, che sembra voler rispecchiare lo stato delle cose anziché costruire una distanza critica attiva rispetto a esse.

"Realismi socialisti. Grande pittura sovietica 1920-1970" è la più completa rassegna di pittura realista sovietica mai presentata fuori della Russia e consente, grazie a una selezione di opere provenienti dai principali musei del paese, di seguirne gli sviluppi nell'arco di un cinquantennio. Eseguite da grandi artisti russi (Deineka, Malevic, Adlivankin, Laktionov, Plastov, Brodskij, Korzhev) le opere presentano una molteplicità di questioni, di temi e di approcci formali all'arte dalle ultime fasi della Guerra civile all'avvio della stagione brezhneviana, arrestandosi all'apertura degli anni settanta, data oltre la quale le tendenze dell'arte ufficiale sovietica seguiranno direzioni varie e incoerenti, tali da far tramontare definitivamente il dominio culturale delle correnti realiste-socialiste. Ne scaturisce un quadro non monolitico, in cui tale movimento non emerge esclusivamente come il prodotto del controllo totalitario e di pressioni politiche, ma come un organismo in evoluzione, capace di riflettere i termini di un dibattito interno e di riverberare i grandi eventi storici del Novecento. Testi di John E. Bowlt, Evgenij Dobrenko, Faina Balachovskaja, Zelfira Tregulova, Nicoletta Misler, Evgenija Petrova, Vladimir Lenjasin, Alessandro De Magistris, Christina Kiaer, Svetlana Boym, Gian Piero Piretto, Matthew Bown, Ekaterina Degot, Aleksandr Evangeli, Vitalij Komar, Mark Gisbourne, Sarah Wilson. Intervista con Gelij Korzev a cura di Zoja Katasinskaja.

Come Cleopatra sedusse prima Cesare e poi, fatalmente, Marc'Antonio, così il fascino dell'Egitto seppe conquistare prima Roma e poi, nel tempo, l'intero Occidente. Questo volume illustra i rapporti tra Venezia e l'Egitto nel corso di quasi due millenni: dai ritrovamenti archeologici che documentano le relazioni in età classica fino all'apertura del canale di Suez, un progetto elaborato dalla Serenissima nel primo Cinquecento e realizzato solo nel 1869. Nel mezzo stanno figure ed eventi spesso eccezionali, lungo un filo rosso storico finora mai dipanato nel suo insieme. Dalla traslazione del corpo di san Marco da Alessandria nell'828 alle avventure ottocentesche di esploratori come Giovanni Battista Belzoni, uno dei padri dell'archeologia italiana, e Giovanni Miani; dalle peripezie di mercanti e diplomatici all'inseguimento di merci, tesori, terre, alle curiosità di umanisti e scienziati, alle prese con i misteri dei geroglifici, delle piramidi e dell'antica scienza dei faraoni. Il tutto illustrato con reperti preziosi e opere d'arte che mostrano come i grandi maestri veneziani - da Giorgione a Tiziano, da Tintoretto a Tiepolo, a Piranesi - immaginarono l'Egitto.

Il catalogo, attraverso circa 70 oli e disegni del pittore olandese e oltre 40 opere di artisti che influenzarono la sua evoluzione, ripercorre l'intero cammino artistico di Mondrian: dal Realismo all'Astrattismo e De Stijl, passando per il Simbolismo, il Luminismo e il Cubismo. Oltre ai saggi critici del curatore Benno Tempel e di Hans Janssen, i testi di Franz-W. Kaiser, Michael White e Marco di Capua offrono un'indagine completa dell'opera dell'artista e del contesto in cui viveva approfondendo il "significato" dell'arte astratta, il movimento De Stijl e i legami del "mistico Mondrian" con la teosofia. L'architetto Frans Postma, in collaborazione con Cees Boekraad, racconta un Piet Mondrian più "intimo", ricostruendo l'atelier in Rue du Départ a Parigi, dove l'artista trascorse quindici anni consecutivi della sua vita a dipingere, alla ricerca della composizione ideale.

Ricordo, tra l'altro, una grande tela che rappresentava delle bagnanti nude e che mi parve, anche per la deformazione del dise

Il volume, così come i tre che seguiranno e completeranno la collana trattando il tema fino ai giorni nostri, propone una lettura inedita dello sviluppo storico della fotografia che tiene conto degli interrogativi suscitati da questo strumento e dalle sue molteplici storie. Si è scelto di utilizzare una voce narrante costituita da brevi monografie, scritte da Francesco Zanot, incentrate su quello che può definirsi il destino pubblico della fotografia: testi dedicati a mostre, libri, eventi, protagonisti che hanno segnato profondamente il discorso fotografico nelle sue diverse incarnazioni, attraverso numerose e spesso sorprendenti immagini emblematiche e simboliche. La lettura è completata da saggi affidati a tre noti studiosi internazionali: Quentin Bajac, che si concentra sulla percezione della fotografia alla sua nascita; Elizabeth Siegel, che affronta le vicende della pratica dell'album fotografico, e cioè di quella fotografia privata e apparentemente 'senza storia', e Walter Guadagnini - curatore dell'intera collana -, che colloca in una prospettiva storica uno degli usi più comuni del mezzo fotografico, quello del racconto di viaggio e dell'incontro con l'altro da sé, il diverso, il nuovo.

A partire dagli anni '20 - quando Georgia venne riconosciuta come una delle più importanti protagoniste del modernismo in America - fino alla sua morte, l'artista e le sue opere hanno attirato un interesse straordinario presso la comunità artistica e il pubblico americano. Nonostante il grande riconoscimento guadagnato in America e in Europa, solo pochi dei suoi lavori sono stati esibiti al pubblico europeo. Artista e donna, Georgia O' Keeffe (1887-1986) incarna il mito americano di indipendenza, grandezza e individualismo. Le sue opere sono inconfondibili, così come l'accostamento dei colori: lo studio delle forme, la scelta dei toni e dei colori, il tratto sinuoso e sensuale del pennello si ripetono in giochi e combinazioni sempre nuove, ma mai completamente diverse. Nata nel 1887 da una famiglia di agricoltori e avvicinatasi all'arte fin da piccola, Georgia O'Keeffe iniziò i suoi studi a Chicago per poi proseguirli a New York. Dopo aver lavorato come grafica pubblicitaria e insegnante, dal 1918 si dedicò completamente alla pittura, grazie al sostegno finanziario del fotografo e gallerista Alfred Stieglitz, che sposò nel 1924 e col quale visse al 30° piano del Shelton Hotel a New York. Furono gli anni in cui iniziò a dipingere la Grande Città. Dopo molti viaggi per gli Stati Uniti, in seguito alla morte del marito nel 1946, si trasferì definitivamente nel New Mexico che tanto l'aveva ispirata.

"Trascorsi in Algeria due anni fantastici. Vedevo sempre qualcosa di nuovo e nei momenti di libertà tentavo di rendere con la pittura ciò che mi colpiva. Non ha idea di quanto abbia imparato e quanto si sia affinata la mia capacità di vedere. Non me ne resi subito conto. Le impressioni di luce e di colore ricevute laggiù le avrei analizzate solo più tardi, ma contenevano già il germe delle mie ricerche future." Degli impressionisti sappiamo praticamente tutto: conosciamo le loro opere, la loro vita, siamo perfino in grado di riconoscerli nelle fotografie o nei loro autoritratti. Ma raramente abbiamo sentito la loro voce. Nessuno di loro ha lasciato memorie, carteggi, o appunti di lavoro. Per questo il racconto in prima persona di Monet - una "intervista registrata" da François Thiébault-Sisson e pubblicata nel 1900 su "Le Temps" ci appare straordinariamente fresco e vivace. Completa il volume un breve saggio su Monet, scritto pochi anni più tardi dall'amico e compagno di strada degli impressionisti, Théodore Duret.