Silvana

Arrigo Poz (Castello di Porpetto, Udine, 1929) è stato, attraverso la sua opera, testimone impareggiabile della storia italiana ed europea del Novecento vista dal profondo delle sue origini friulane, con un realismo vigoroso ed espressionistico ma mai gridato, bensì vissuto con grande rispetto della condizione umana, affrontato con lucida coscienza dell'ineluttabile dolore del vivere e con altrettanto solida convinzione della forza della speranza e della maestà della vita. Il volume presenta 130 opere dell'artista - che ha spaziato dall'affresco al mosaico, dalla vetrata ai lavori ad olio e tempera, sempre realizzati con un'assoluta sensibilità al colore - introdotte da ventitrè saggi di autorevoli studiosi che tracciano un ritratto esaustivo e fedele dell'opera del maestro. Completano il volume apparati biobibliografici.

La ricerca artistica di Flavio de Marco è focalizzata sull'esperienza del paesaggio attraverso il linguaggio della pittura. Il progetto contenuto nel presente volume si propone come sviluppo della sua ricerca pittorica che rispetto alla caratterizzazione del suo lavoro dalla fine degli anni novanta in avanti - si apre a nuove forme di rappresentazione a partire da un'esperienza in differita: fotografie, manifesti e dépliant pubblicitari, mappe, marine e guide turistiche, immagini dalla storia dell'arte, astrazioni cromatiche, copie di dipinti. La mostra presentata alla Collezione Maramotti consta di ventiquattro opere tra tele di grande dimensione e altre in formato cartolina sul tema della veduta nelle sei città in cui l'artista ha vissuto: Bologna, Lecce, Milano, Londra, Roma, Berlino. Il progetto si arricchisce della collaborazione di Teho Teardo e Paolo Nori che, invitati dall'artista, hanno sviluppato in parallelo una propria visione di queste città, ognuno dal proprio ambito di ricerca: musicale il primo e letterario il secondo.

Nessuno crederà, nel mondo disincantato e scettico della storia dell'arte, che quando, nel rifugio perugino di Monte Malbe, Brajo Fuso dipingeva le sue Straticromie a metà degli anni quaranta, o produceva i primi Cromoggetti nella seconda metà degli anni cinquanta, era completamente all'oscuro dell'esistenza del dripping praticato dall'altra parte del mondo da Jackson Pollock già dal 1946. Eppure era proprio così. Sicuramente nulla di quanto avveniva in Usa era noto a Brajo Fuso. Bricoleur e homo ludens, Brajo si pone di fronte alle cose e alle forme con lo spirito di Arcimboldo. La pittura, la tecnica, l'imitazione del vero e l'invenzione di forme nuove sono niente rispetto alla sorpresa che possono riservare le contaminazioni, gli aggiustamenti, i divertissements compositivi affidati alla volontà e al caso dalla manipolazione dei mezzi e degli oggetti a disposizione dell'operatore.

"Questo libro racconta la storia di uomini e donne che hanno vissuto e lavorato a Limbiate, Pinzano e Mombello, in quella porzione di Pianura Padana posta sul limitare delle Groane. Un angolo di mondo che custodisce tesori d'arte e cultura, secoli di lavoro, passioni e speranze di intere generazioni". "Un'opera che si rivolge soprattutto ai giovani, uno stimolo a ritrovare nella propria memoria una radice comune, un linguaggio da condividere per riscoprire il senso della comunità e l'importanza dei suoi valori." (Luca Masia).

La mostra, organizzata dall'Assessorato alla Cultura, Direzione Musei e Monumenti del Comune di Verona, in collaborazione con

Il volume accompagna una monumentale retrospettiva che il Museo d'Arte di Lugano dedica a Nobuyoshi Araki (Tokyo, 1940), uno dei fotografi più noti e celebrati in tutto il mondo, nell'ambito di un più vasto progetto incentrato sulla cultura e sull'arte giapponese. La poliedrica e incessante produzione dell'artista è documentata attraverso un'accurata selezione dei suoi più importanti cicli fotografici, a cominciare da Satchin, la sua prima celebre serie del 1965, passando per Sentimental Journey, Winter Journey, Cityscapes, Polart, Sensual Flowers, Bondage, ecc., fino alla sua più recente produzione. Nelle immagini di Araki - dove non solo i nudi femminili che lo hanno reso celebre, ma anche i fiori, le pietanze, gli oggetti carichi di colore, sembrano assumere qualità carnali - si aggiorna e rivive con forza conturbante l'essenza dell'erotismo giapponese tradizionalmente tramandato dalle immagini Shunga (stampe e dipinti a soggetto erotico, che raggiunsero la massima fioritura nel periodo Edo). L'aspetto più realistico dell'opera di Araki è affidato ad alcune fotografie realizzate dall'artista nei bassifondi di Tokyo dove la sessualità si esprime nelle forme più disinibite e crude, e che offrono interessante documentazione della società giapponese nelle sue manifestazioni più private. Il catalogo, introdotto dai testi dei curatori, è completato da apparati biobibliografici.

Questo volume riunisce diciannove contributi in lingua originale, corredati da numerose illustrazioni, pronunciati in occasione di un convegno internazionale tenutosi a Parigi nell'ottobre 2006, dedicato alla stampa dei libri d'arte. Si propone dunque in queste pagine una riflessione sulla nascita delle raccolte di stampe artistiche, sulle loro modalità di riproduzione e sulla loro diffusione, in un percorso che spazia nei secoli (dal XV al XVIII secolo) e nei territori (Germania, Gran Bretagna, Italia, Francia). Gli esempi di Dürer, Jan de Bisschop, Jean Lepautre, Jabach, Heinecken, Boydell e di altri artisti, collezionisti, editori e appassionati, sono presentati per meglio mettere a fuoco le collaborazioni , i mezzi tecnici e le strategie editoriali che hanno condotto alla nascita del libro d'arte.

Il catalogo accompagna la quarta edizione di "Memoriale dal Convento", un ciclo espositivo che ha luogo nel Convento dei Servi di Maria di Monteccicardo. Protagonista dell'appuntamento è Giulio Paolini (Genova, 1940), che ha ideato un percorso concettuale dedicato alla natura dell'opera d'arte e alla sua form tra disegno, progetto e realizzazione. Un itinerario intimo e inedito all'inte della ricerca dell'artista, messo in particolare risalto dalla struttura dell' convento. Il catalogo riproduce le opere - cornici dorate, fotografie, disegni e collages su parete - accompagnate da un breve testo di Ludovico Pratesi e in dell'artista.

Al cuore della ricca e varia produzione che Bruno Di Bello ha realizzato in oltre cinquant'anni di attività artistica e intellettuale e che ora, nella presente antologia, possiamo ripercorrere in tutte le sue tappe, sta la riflessione costante su come l'arte debba essere definita in relazione alle condizioni culturali, tecnologiche, psicosociali e politiche della nostra epoca, e su che cosa, in questo contesto, abbia da proporre come mezzo espressivo. Nato nel 1938 a Torre del Greco, Di Bello appartiene a quella generazione di artisti critici e ribelli, dal forte impegno intellettuale, che alla fine degli anni Cinquanta svilupparono, contro l'egemonia della pittura informale, posizioni alternative che si richiamavano alle idee di Marcel Duchamp. Le risposte creative di Bruno Di Bello, che ha fatto parte del gruppo della cosiddetta "mec-art", consistono, sul versante della figurazione, in un sistema di combinazione molto personale, in cui estrapola dalla realtà alcuni elementi per poi integrarli entro uno schema costruttivo ordinato, sottoponendoli al tempo stesso a un processo di decostruzione da cui escono alterati e frammentati. Sul versante della produzione dell'opera, nella personale interpretazione della "pittura", le tecniche meccanico fotografiche vengono a rimpiazzare i normali procedimenti della pittura di cavalletto. Da ultimo, le possibilità della geometria frattale hanno condotto Bruno Di Bello a livelli della sua evoluzione artistica ancora più ricchi di prospettive.

La rassicurante possibilità di godere di un facile riscaldamento domestico e l'"elettrizzante" diffusione della luce elettrica. La dilagante passione per i nuovi mezzi di trasporto della modernità presto trasformatasi in ebbrezza della velocità. Il lavoro rurale e quello delle fabbriche. La vanità delle donne della media e alta società addirittura superata da un sorprendente narcisismo maschile. I passatempi: teatri, luna park, gioco, balli, corse di cavalli, sport. E poi, negli anni del fascismo, un razzismo appena velato di bonario paternalismo, il linguaggio sempre più forte della propaganda, la politica che pervade il quotidiano. I manifesti stampati in Italia tra la fine dell'Ottocento e gli anni quaranta del Novecento sono frutto della fantasia di artisti di fama internazionale, desiderosi, grazie anche all'ausilio dei mezzi di informazione, delle riviste specializzate, degli intellettuali, degli imprenditori e del governo, di realizzare in Italia, in concomitanza con il crescere dell'industria e con il diffondersi dei consumi, un nuovo tipo di comunicazione, efficace, in linea con le ricerche figurative e grafiche coeve, aperta a influenze straniere. Agli albori della comunicazione pubblicitaria, frutto di riflessioni e studi sin dai primi decenni del Novecento, la loro opera apre un insolito spiraglio sul costume degli italiani del secolo scorso, sul loro sogno "moderno", sulle loro aspirazioni al benessere e a una migliore qualità della vita.