Silvana

La consapevolezza di appartenere alla luminosa storia artistica italiana, divenuta patrimonio internazionale, ha conferito fierezza all'azione di Fontana e Burri, fornendo loro il coraggio, anche in tempi difficili come quelli del secondo dopoguerra, per attuare, nei confronti di quella tradizione i gesti di rottura e innovazione necessari sia a convalidare i dati del passato, sia a dischiudere le nuove prospettive del linguaggio visivo. A partire dagli anni sessanta, infatti, e nei decenni successivi sino a oggi, la grande "riforma" introdotta dai due artisti, in modi diversi, ha rappresentato la pietra di paragone per una qualsiasi impresa artistica che si volesse sintonizzare sulle frequenze alte della ricerca contemporanea.

Nove capolavori per celebrare non solo i1 volto di San Paolo - Saulo -, ma anche tutta la potente cultura che sostiene l'apostolo delle genti. Questa sequenza di opere che abbraccia un arco temporale compreso fra l'arte paleocristiana del IV secolo e la pittura caravaggesca del Seicento non vuol mettere unicamente in luce i diversi caratteri dell'iconografia paolina, ma anche tutte le motivazioni storiche e filosofiche che ne sono all'origine.

Il volume dedicato a Milano continua la serie site specific- del fotografo Olivo Barbieri (Carpi, 1954). Il progetto propone una nuova lettura delle città, viste da una prospettiva insolita, a bordo di un elicottero. Site specific- inizia nel 2004 e interessa differenti metropoli in tutto il pianeta, da est a ovest, da New York a Shanghai, da Las Vegas ad Amman. A Milano Olivo Barbieri non fissa l'attenzione solo su monumenti simbolo della città come il Duomo o la Torre Velasca, ma indaga anche le nuove aree come la Fiera di Rho e il cantiere della futura sede della Regione Lombardia, svelando il tessuto di una città in piena trasformazione alle soglie dell'Expo del 2015. Nelle immagini di Barbieri piazze e strade, palazzi e monumenti sembrano perdere consistenza, lasciando spazio a un'installazione dalle forti componenti concettuali. Site specific-MILANO 09 inaugura la serie "A Different Altitude", che coinvolgerà anche le città di Genova, Firenze, Napoli, Catania e Venezia. Il volume è introdotto da un testo di Roberta Valtorta, direttrice scientifica del Museo di Fotografia Contemporanea di Cinisello Balsamo.

Concepita dall'Osservatorio Astronomico di Torino dell'Istituto Nazionale di Astrofisica, l'esposizione presenterà al pubblico di Palazzo Bricherasio e di Palazzo Lascaris i duecentocinquant'anni di vita della ricerca astronomica nel capoluogo piemontese, iniziata dal grande fisico sperimentale padre Giovanni Battista Beccaria nel 1759. L'evoluzione dell'astronomia a Torino, incoraggiata dalla curiosità scientifica dei sovrani sabaudi, si interseca indissolubilmente con la vita e la storia della città. Attraverso l'ampia collezione degli strumenti storici dell'Osservatorio, appena restaurati, testi antichi e documenti d'archivio, l'esposizione si soffermerà in particolare sulla storia dell'Osservatorio e dei luoghi in cui ha avuto sede, sulla vita dei grandi astronomi torinesi, tra i quali Giovanni Plana, allievo di Joseph-Louis Lagrange, e padre Giovanni Boccardi, e sui risultati scientifici ottenuti nei due secoli e mezzo di attività dell'Osservatorio. Edizione in lingua inglese.

Lo scultore Tristano di Robilant (1964), londinese di nascita ma romano di adozione, presenta nella mostra "Vetro", documentata in questo catalogo, alcune sculture ideate insieme al maestro Andrea Zilio nei laboratori di Murano, naturalmente in vetro. Paesaggi emotivi ispirano le opere, forme che includono nuove forme e che si arricchiscono di riflessi luminosi, nelle tonalità dell'ambra e del verde smeraldo. Il volume è introdotto da un testo del curatore, ed è completato da apparati biografici.

La ripresa delle relazioni culturali tra l'Italia dell'immediato dopoguerra e il mondo vede due luoghi privilegiati di riferimento: Parigi - destinazione tradizionale e consolidata - e gli Stati Uniti, che solo allora si stavano affacciando sulla scena dell'arte, e che costituivano ancora un'incognita e una scommessa. Il volume, attraverso il saggio storico-critico di Marco Meneguzzo, parla di quegli artisti, italiani, o italiani d'origine, che dalla fine della guerra agli anni del boom economico, hanno scelto di attraversare l'Oceano e di far dialogare la rinascente arte italiana con la nuovissima arte americana, avendo intuito che gli equilibri culturali ed economici si stavano spostando verso il Nuovo Continente. Questo rapporto biunivoco, che vede nascere un asse Roma-New York, si è rivelato fecondo sia dal punto di vista strettamente linguistico che di produzione e promozione del proprio lavoro: gli italiani in America, gli italoamericani e gli americani veri e propri in Italia sono uno dei primi esempi di quanto il mondo dell'arte sia diventato internazionale sin dagli anni Cinquanta.

1881: a vent'anni di distanza dall'Unità d'Italia, Milano realizza l'Esposizione Industriale Nazionale per affermare il modello di sviluppo che possa trasformare l'Italia in un paese industriale moderno, degno di essere annoverato nel ristretto gruppo delle potenze che hanno fatto del progresso (non solo economico) la loro bandiera. Ogni ceto, ogni forza sociale e politica deve essere coinvolto e incluso in questo grande progetto di modernizzazione, perché riesca. Ma quali sono le caratteristiche della modernità che si cerca di trasmettere al più largo pubblico attraverso il linguaggio delle immagini pubblicate su giornali, riviste, dispense? Esplorando un vasto patrimonio iconografico, Ilaria M.P. Barzaghi ricostruisce la rappresentazione della modernità che la "capitale morale" propone con la mostra industriale.

Riemerge, dopo essere rimasta celata per ben settantacinque anni, una spettacolare collezione d'arte, appartenuta al ticinese Riccardo Molo (1883-1934). Uomo d'affari attivo in Ticino, Italia, Germania e Argentina fra Ottocento e Novecento, Riccardo Molo, grande appassionato di pittura italiana, attinse alla grande disponibilità di opere presenti sul mercato in seguito alla dispersione post bellica di molte collezioni private, dando forma lui stesso a una ricca collezione dalla fisionomia "nazionale", ripartita attraverso lo schema storiografico e critico delle scuole regionalistiche: con attento equilibrio si assicurò dipinti di artisti lombardi,opere piemontesi, venete, emiliane, toscane e napoletane. La rassegna, documentata da questo catalogo, presenta dunque una selezione di circa cinquanta dipinti e sculture della collezione, con l'intento di offrire una campionatura della fisionomia della raccolta e del gusto di Riccardo Molo sullo sfondo del fenomeno generale del collezionismo del tempo. Il volume accoglie i testi di Sergio Rebora e Maria Cristina Brunati, ed è completato da una bibliografia.

Fiato corto, prospettiva limitata, alluvione di numeri, che fossero costi, pubblico, mostre, biennali, notti bianche e notti nei musei. Negli ultimi anni l'arte contemporanea ha intrapreso una corsa che l'ha resa frenetica ed enfatica, riducendola a un appuntamento turistico o a un diversivo nell'agenda dello shopping. Richiamando però sempre più pubblico, stregato da artisti superquotati e da musei che somigliavano a macchine delle meraviglie. Cosa poi ci fosse dentro importava di meno. Decisivo era lo stupore per il fuori. Così il mondo dell'arte è diventato una grande bolla il cui fruscio ha anestetizzato lo sguardo, rendendoci tutti più indulgenti. Poi, a un certo punto, c'è stato lo sboom. I profitti di borsa, di cui si alimenta l'arte dei grandi numeri, sono calati, i musei hanno cominciato a chiudere, altri non aprono. Eppure la crisi non è il male peggiore. Più profondo è un altro buco che ha messo in luce, qualcosa che non si voleva vedere, nascosto com'era anche dallo scintillio dell'arte. Dell'arte che imita la moda, che ripiega nel grande lusso, che prende a prestito la vita e fa finta di spensierarsi. Si, la fine dei soldi ha rivelato la mancanza del senso. La rinuncia a esercitare un pensiero critico rispetto al mondo in cui si muove. Il quale, però, ha ancora un fortissimo bisogno dell'arte, se non altro per quella sua inalienabile capacità di rinnovarsi, di produrre nuovi linguaggi.

Il volume è il catalogo della mostra "Giorgio Morandi. Through light" presso la Imago Art Gallery di Londra. L'evento, a distanza di quarant'anni da quello tenutasi presso la Royal Accademy nel 1970, e dopo quasi un decennio dalla Tate Modem, ripropone al pubblico inglese e internazionale un ampio percorso nel lavoro del grande artista bolognese.

Il rapporto tra le arti visive, i linguaggi della creatività e la natura è antico come il mondo. Dai primi uomini che incisero sulle volte delle caverne i profili degli animali alle contemporanee contaminazioni tra ricerca linguistica, uso dei materiali naturali e preoccupazione ecologica, il tema della natura e del paesaggio non ha smesso di interrogare e affascinare, ma anche turbare. La Land Art e i tentativi di pensare l'opera d'arte non come alterazione ma come evoluzione del contesto naturale, Joseph Beuys, che a Kassel nel 1982 trasforma il gesto di piantare gli alberi in un intervento d'artista, l'Arte Povera, che mette in scena la problematicità del rapporto tra natura e cultura, paiono non aver perso la loro carica visionaria. Molti giovani artisti, lavorando sulla dimensione dell'equilibrio globale, sulla transitorietà e tecnologizzazione dei processi naturali, sull'illusorietà di una scienza taumaturga proseguono, anzi, in questa ricerca forse con un linguaggio meno romantico ma non per questo con minore capacità critica. La mostra, proponendo uno sguardo attraverso generazioni differenti di artisti, vuole indagare cosa rimane della sperimentazione degli anni settanta e quale spazio il tema della natura occupa ancora oggi nell'arte contemporanea.