Silvana

Concepita dall'Osservatorio Astronomico di Torino dell'Istituto Nazionale di Astrofisica, l'esposizione presenterà al pubblico di Palazzo Bricherasio e di Palazzo Lascaris i duecentocinquant'anni di vita della ricerca astronomica nel capoluogo piemontese, iniziata dal grande fisico sperimentale padre Giovanni Battista Beccaria nel 1759. L'evoluzione dell'astronomia a Torino, incoraggiata dalla curiosità scientifica dei sovrani sabaudi, si interseca indissolubilmente con la vita e la storia della città. Attraverso l'ampia collezione degli strumenti storici dell'Osservatorio, appena restaurati, testi antichi e documenti d'archivio, l'esposizione si soffermerà in particolare sulla storia dell'Osservatorio e dei luoghi in cui ha avuto sede, sulla vita dei grandi astronomi torinesi, tra i quali Giovanni Plana, allievo di Joseph-Louis Lagrange, e padre Giovanni Boccardi, e sui risultati scientifici ottenuti nei due secoli e mezzo di attività dell'Osservatorio. Edizione in lingua inglese.

Lo scultore Tristano di Robilant (1964), londinese di nascita ma romano di adozione, presenta nella mostra "Vetro", documentata in questo catalogo, alcune sculture ideate insieme al maestro Andrea Zilio nei laboratori di Murano, naturalmente in vetro. Paesaggi emotivi ispirano le opere, forme che includono nuove forme e che si arricchiscono di riflessi luminosi, nelle tonalità dell'ambra e del verde smeraldo. Il volume è introdotto da un testo del curatore, ed è completato da apparati biografici.

La ripresa delle relazioni culturali tra l'Italia dell'immediato dopoguerra e il mondo vede due luoghi privilegiati di riferimento: Parigi - destinazione tradizionale e consolidata - e gli Stati Uniti, che solo allora si stavano affacciando sulla scena dell'arte, e che costituivano ancora un'incognita e una scommessa. Il volume, attraverso il saggio storico-critico di Marco Meneguzzo, parla di quegli artisti, italiani, o italiani d'origine, che dalla fine della guerra agli anni del boom economico, hanno scelto di attraversare l'Oceano e di far dialogare la rinascente arte italiana con la nuovissima arte americana, avendo intuito che gli equilibri culturali ed economici si stavano spostando verso il Nuovo Continente. Questo rapporto biunivoco, che vede nascere un asse Roma-New York, si è rivelato fecondo sia dal punto di vista strettamente linguistico che di produzione e promozione del proprio lavoro: gli italiani in America, gli italoamericani e gli americani veri e propri in Italia sono uno dei primi esempi di quanto il mondo dell'arte sia diventato internazionale sin dagli anni Cinquanta.

1881: a vent'anni di distanza dall'Unità d'Italia, Milano realizza l'Esposizione Industriale Nazionale per affermare il modello di sviluppo che possa trasformare l'Italia in un paese industriale moderno, degno di essere annoverato nel ristretto gruppo delle potenze che hanno fatto del progresso (non solo economico) la loro bandiera. Ogni ceto, ogni forza sociale e politica deve essere coinvolto e incluso in questo grande progetto di modernizzazione, perché riesca. Ma quali sono le caratteristiche della modernità che si cerca di trasmettere al più largo pubblico attraverso il linguaggio delle immagini pubblicate su giornali, riviste, dispense? Esplorando un vasto patrimonio iconografico, Ilaria M.P. Barzaghi ricostruisce la rappresentazione della modernità che la "capitale morale" propone con la mostra industriale.

Riemerge, dopo essere rimasta celata per ben settantacinque anni, una spettacolare collezione d'arte, appartenuta al ticinese Riccardo Molo (1883-1934). Uomo d'affari attivo in Ticino, Italia, Germania e Argentina fra Ottocento e Novecento, Riccardo Molo, grande appassionato di pittura italiana, attinse alla grande disponibilità di opere presenti sul mercato in seguito alla dispersione post bellica di molte collezioni private, dando forma lui stesso a una ricca collezione dalla fisionomia "nazionale", ripartita attraverso lo schema storiografico e critico delle scuole regionalistiche: con attento equilibrio si assicurò dipinti di artisti lombardi,opere piemontesi, venete, emiliane, toscane e napoletane. La rassegna, documentata da questo catalogo, presenta dunque una selezione di circa cinquanta dipinti e sculture della collezione, con l'intento di offrire una campionatura della fisionomia della raccolta e del gusto di Riccardo Molo sullo sfondo del fenomeno generale del collezionismo del tempo. Il volume accoglie i testi di Sergio Rebora e Maria Cristina Brunati, ed è completato da una bibliografia.

Fiato corto, prospettiva limitata, alluvione di numeri, che fossero costi, pubblico, mostre, biennali, notti bianche e notti nei musei. Negli ultimi anni l'arte contemporanea ha intrapreso una corsa che l'ha resa frenetica ed enfatica, riducendola a un appuntamento turistico o a un diversivo nell'agenda dello shopping. Richiamando però sempre più pubblico, stregato da artisti superquotati e da musei che somigliavano a macchine delle meraviglie. Cosa poi ci fosse dentro importava di meno. Decisivo era lo stupore per il fuori. Così il mondo dell'arte è diventato una grande bolla il cui fruscio ha anestetizzato lo sguardo, rendendoci tutti più indulgenti. Poi, a un certo punto, c'è stato lo sboom. I profitti di borsa, di cui si alimenta l'arte dei grandi numeri, sono calati, i musei hanno cominciato a chiudere, altri non aprono. Eppure la crisi non è il male peggiore. Più profondo è un altro buco che ha messo in luce, qualcosa che non si voleva vedere, nascosto com'era anche dallo scintillio dell'arte. Dell'arte che imita la moda, che ripiega nel grande lusso, che prende a prestito la vita e fa finta di spensierarsi. Si, la fine dei soldi ha rivelato la mancanza del senso. La rinuncia a esercitare un pensiero critico rispetto al mondo in cui si muove. Il quale, però, ha ancora un fortissimo bisogno dell'arte, se non altro per quella sua inalienabile capacità di rinnovarsi, di produrre nuovi linguaggi.

Questo volume accompagna una mostra già presentata a Murcia, in Spagna - che propone una scelta di 114 scatti della grande fotografa statunitense Francesca Woodman (Denver, 1958 New York, 1981). Questo volume si configura come il più completo e recente riferimento editoriale per conoscere l'opera della fotografa. Vi sono riprodotte le opere in mostra quasi tutte di piccolo formato e fra le quali spiccano alcuni inediti accompagnate dai testi di Isabel Tejeda, Marco Pierini e Lorenzo Fusi, da apparati biografici e da una bibliografia completa sul lavoro dell'artista.

Il volume è il catalogo della mostra "Giorgio Morandi. Through light" presso la Imago Art Gallery di Londra. L'evento, a distanza di quarant'anni da quello tenutasi presso la Royal Accademy nel 1970, e dopo quasi un decennio dalla Tate Modem, ripropone al pubblico inglese e internazionale un ampio percorso nel lavoro del grande artista bolognese.

Il rapporto tra le arti visive, i linguaggi della creatività e la natura è antico come il mondo. Dai primi uomini che incisero sulle volte delle caverne i profili degli animali alle contemporanee contaminazioni tra ricerca linguistica, uso dei materiali naturali e preoccupazione ecologica, il tema della natura e del paesaggio non ha smesso di interrogare e affascinare, ma anche turbare. La Land Art e i tentativi di pensare l'opera d'arte non come alterazione ma come evoluzione del contesto naturale, Joseph Beuys, che a Kassel nel 1982 trasforma il gesto di piantare gli alberi in un intervento d'artista, l'Arte Povera, che mette in scena la problematicità del rapporto tra natura e cultura, paiono non aver perso la loro carica visionaria. Molti giovani artisti, lavorando sulla dimensione dell'equilibrio globale, sulla transitorietà e tecnologizzazione dei processi naturali, sull'illusorietà di una scienza taumaturga proseguono, anzi, in questa ricerca forse con un linguaggio meno romantico ma non per questo con minore capacità critica. La mostra, proponendo uno sguardo attraverso generazioni differenti di artisti, vuole indagare cosa rimane della sperimentazione degli anni settanta e quale spazio il tema della natura occupa ancora oggi nell'arte contemporanea.

A un anno dalla scomparsa, l'"Omaggio a Pietro Cascella" nella "53. Esposizione Internazionale d'Arte della Biennale di Venezia", introdotto da una testimonianza di Sandro Bondi, puntualizza l'attualità del suo lavoro di scultore ambientale, di autentica dimensione "pubblica", in echi di remoto fondamento antropologico arcaico. Evocando nel trattamento materico della pietra una natura originaria - sottolinea Enrico Crispolti - Cascella ha infatti istituito, entro lo spazio urbano, luoghi plastici "per la gente", di incontro, dialogo e memorie collettive. Luca Beatrice confronta l'opzione di orizzontalità che vi ricorre con quella che caratterizza il "Memorial to the Murdered Jews of Europe" che Peter Eisenman ha realizzato a Berlino fra 2003 e 2005. Mentre Beatrice Buscaroli ricorda le numerose altre presenze di Cascella nelle Esposizioni Intemazionali d'Arte della Biennale di Venezia (dal 1942 al 1986), e Cordelia von den Steinen rievoca attraverso brani di lettere il vissuto nel cantiere di Auschwitz. Apparati a cura di Manuela Crescentini.

Nasce per caso, dalla scandaglio del deposito di quadri del Museo Mandralisca di Cefalù, la scoperta di un autentico capolavoro della pittura fiorentina dei primi decenni del Cinquecento, documentato nelle pagine di questo volume. L'opera è un San Giovanni Battista su tavola riferibile a Giovanni Antonio Sogliani (Firenze, 1492-1544), allievo di Lorenzo di Credi ma seguace stretto di Fra' Bartolomeo. Si tratta di un dipinto di eccezionale qualità e bellezza, espressione di quella pittura fiorentina degli inizi del Cinquecento che si evolve verso la "Maniera" ma che, priva di certe esagerazioni formali, appare particolarmente cara all'ambiente dei monasteri, delle confraternite e dei circoli savonaroliani. Il volume accoglie un'analisi accurata dell'opera "ritrovata" e del suo restauro, accompagnata da un saggio di Vincenzo Abbate, da un regesto documentario sulla figura del Barone Mandralisca e da una bibliografia.