Silvana

Emilio Sobrero (Torino, 1890 - Roma, 1964) è uno dei protagonisti dell'arte figurativa italiana dagli anni venti al secondo dopoguerra. Partecipa a quasi tutte le principali manifestazioni espositive nazionali e internazionali: alle Biennali veneziane (dal 1928 al 1948), alle Quadriennali romane (dal 1931 al 1948) e alle mostre del gruppo "Novecento", organizzate da Margherita Sarfatti nel 1926 e nel 1929 a Milano e all'estero. La sua ricerca, sin dal primo dopoguerra, si caratterizza per una chiara apertura europea, soprattutto rispetto all'area francese (di particolare rilevanza l'interesse per il lavoro di Cézanne), che lo porta a soggiornare a lungo a Parigi. Sebbene la critica tra le due guerre - da Soldati a Ojetti, dalla Sarfatti a Carrà, da Maraini a Oppo - lo abbia considerato uno tra i migliori e più importanti rappresentanti della pittura moderna italiana, oggi Sobrero è un artista quasi dimenticato, che va dunque riscoperto e fortemente rivalutato. Il volume, quindi, si prefigge di documentare e valorizzare la sua opera e il suo percorso artistico, che viene qui presentato in relazione a quello di altri pittori che operarono negli anni della sua attività, dalla formazione alla maturità, e che hanno intrattenuto con lui intensi rapporti professionali e di amicizia: Felice Casorati, Basilio Cascella, Carlo Carrà, Giorgio de Chirico, il "Gruppo dei Sei" di Torino (Jessie Boswell, Gigi Chessa, Nicola Galante, Carlo Levi, Francesco Menzio, Enrico Paulucci), Nella Marchesini e Luigi Spazzapan.

La mostra "Italia Contemporanea. Officina San Lorenzo" si inserisce nell'ambito del progetto Contemporanea avviato dal Mart negli anni novanta con l'intento di promuovere la conoscenza delle migliori esperienze artistiche apparse in Europa negli ultimi decenni. Bruno Ceccobelli, Gianni Dessi, Giuseppe Gallo, Nunzio, Pizzi Cannella e Marco Tirelli sono i protagonisti, a partire dalla fine degli anni settanta, di un radicale rinnovamento della pittura e della scultura e questo volume segue le tappe del loro singolare percorso, attraverso l'interpretazione critica di Achille Sonito Oliva, il racconto storico di Daniela Lancioni e un'ampia scelta di opere, dai loro esordi all'attualità. Un'analisi che, pur testimoniando la poetica individuale di ciascun autore, indaga le affinità che gli artisti hanno saputo coltivare tra le mura dell'ex pastificio Cerere nel quartiere romano di San Lorenzo, dando vita a un eccezionale esperimento fondato sulla condivisione e sul dialogo. Una temperie, quella maturata dalla loro attività, da cui è emerso un nuovo modo di intendere l'arte e la responsabilità dell'artista in rapporto dialettico con i profondi cambiamenti sociali e culturali che hanno segnato gli ultimi decenni della nostra storia.

La città di Casale Monferrato presta la sua immagine, la bellezza, la sua storia e la sua memoria all'arte fotografica contemp

Dal 1998 Oriana Ubaldi dipinge, dipinge e dipinge

Questo libro è il primo di una serie dedicata a Napoli, vista attraverso lo sguardo di fotografi di generazioni diverse. Fotografi che sono nati a Napoli e che vi lavorano, che l'hanno adottata o che hanno potuto allontanarsene per un certo periodo, ma tutti legati in qualche modo a questa città che non assomiglia a nessun'altra. Il loro sguardo interroga il paesaggio urbano, la storia, la cultura, la società, il quotidiano di alcuni quartieri. Federico Garolla inaugura la serie con una testimonianza della strada negli anni cinquanta. La collezione si arricchirà di fotografie dai soggetti e dagli stili più vari come i loro autori: Norma Rossetti, Antonio Biasiucci accompagnato per l'occasione da Oreste Zevola, Alain Volut e Mimmo Jodice.

Il volume offre una visione completa dell'opera di Yves Klein e tiene conto di tutti i cicli più importanti della sua opera che, come una meteora, ha attraversato la scena dell'arte per pochissimi anni. Un ricco apparato documentario e la riproduzione a colori di tutte le opere in mostra permettono di seguire il percorso artistico e biografico di questo grande esponente della rivoluzione estetica determinatasi dagli anni sessanta in poi, membro capofila del Nouveau Réalisme, nonché antesignano del monocromatismo del secondo dopoguerra.

Il volume affronta l'entusiasmante recupero della scultura astigiana tra l'inizio del Seicento e la fine del Settecento, mai indagata sinora in maniera cosi analitica: dalla grande arte della bottega di Michele Enaten, che produceva sculture caratterizzate da eccellenti capacità tecniche, eleganti e naturali al tempo stesso, alle prime fantasiose realizzazioni barocche, ove si distinguono le opere di Francesco Borello; dal consolidarsi delle botteghe settecentesche di maestri ticinesi come i Bonzanigo e Carlo Giuseppe Plura, agli apporti di scultori torinesi come Stefano Maria Clemente, che diffondono ad Asti i riflessi dell'arte elaborata nella capitale sabauda. Simulacri di santi, statue mariane, busti-reliquiario, raffigurazioni della Passione di Cristo: un'indagine a tappeto effettuata da specialisti sul territorio della provincia, un censimento attento delle statue più significative, fotografando immagini sorprendenti, frutto di una religiosità antica, e utilizzando le più importanti fonti archivistiche per far tornare in luce grandi maestri talvolta quasi dimenticati; restauri accurati che hanno restituito alle opere luce e colore, col recupero di raffinate policromie.

Libri sommersi che la corrente marina sfoglia, colti nel loro tramutarsi in "cosa ricca e strana" attraverso un sorprendente occhio fotografico. Pagine composte da altre pagine dove i titoli che accompagnano gli scatti sono citazioni tratte dai libri immortalati: un dialogo affascinante fra contenuti e forma che si fondono in un'unica opera dalle profonde valenze filosofiche. Italiano, inglese, francese, tedesco, russo, cinese, farsi, greco e latino si alternano a comporre Eumana sintesi, una goccia nell'oceano dello scibile umano. Attraverso il realismo della fotografia il lettore approda a un mondo fantastico che una terza lente, quella dell'acqua, permette a Ileana Florescu di imprigionare in uno spazio atemporale sino a ieri inimmaginabile. L'acqua cristallina della Sardegna diventa sorgente rigeneratrice, catartica, liberatoria, e allo stesso tempo distruttrice.

Prima ancora che il turismo moderno scoprisse l'incanto dei paesaggi meridionali, vari artisti avevano tributato ai campi di grano, agli ulivi, ai cardi selvatici, alle spiagge, ma soprattutto al cielo così mutevole, un omaggio appassionato. Proprio dalla magia di questo paesaggio prende le mosse la mostra "Terra e mare. Paesaggi del Sud, da Giuseppe De Nittis a Giovanni Fattori", ospitata alla Pinacoteca "Giuseppe de Nittis" di Barletta e accompagnata da questo catalogo. Attraverso il confronto delle opere dei maggiori paesaggisti del centro e del sud Italia, come Giovanni Fattori, Vincenzo Cabianca, Filippo Palizzi, Francesco Paolo Michetti, Francesco Lojacono e Giuseppe De Nittis, si delinea la grande pittura di paesaggio meridionale, dove la suggestione della natura si congiunge alle grandi problematiche sociali ed economiche. La mostra offre una sintesi delle esperienze artistiche messe in atto nella seconda metà dell'Ottocento - la "macchia" toscana, il naturalismo napoletano, la scuola siciliana - i cui interpreti, spesso legati da profonda amicizia, avevano come intento di "far di una tela una finestra dischiusa sui campi", come scrive Francesco Netti, uno dei più fini protagonisti di quel periodo.

Il volume è il catalogo della mostra di Como (Villa Olmo, 4 aprile - 26 luglio 2009), dedicata ai capolavori delle avanguardie storiche russe. Ottanta opere tra oli, tempere e disegni, provenienti dai maggiori musei e collezioni private russe, ripercorrono le vicende di una grande stagione, compresa tra i primi anni del Novecento fino agli inizi degli anni trenta, che ha visto protagonisti artisti che seppero superare la visione dominante dell'impressionismo francese per dare vita alle innovazioni formali del cubo-futurismo, alle tensioni del suprematismo e alla modernità rarefatta dell'astrazione. Presenti in mostra capolavori di Marc Chagall, Wassily Kandinsky, Kazimir Malevic e di Pavel Filonov, un pittore visionario, sontuoso e a tratti apocalittico, poco noto in Italia ma di grande potenza espressiva.