Silvana

Giovanni Fattori (1825-1908), straordinario protagonista della pittura italiana tra Naturalismo e Verismo, la cui complessità e organicità di tematiche e tecniche non ha ancora trovato una piena definizione critica, fu il più completo interprete del movimento macchiaiolo. La lunga e intensa parabola della sua arte spazia dalle vaste tele militari alle sintetiche, liriche tavolette di paesaggio e di figure degli anni 1865-1870, quasi astratte costruzioni fissate in un attimo irripetibile di luce, dai mirabili, acutissimi e introspettivi ritratti, alle epiche composizioni sui butteri, plasticamente articolati in immagini scattanti e tese, sino alle cadenze vagamente espressioniste degli ultimi anni, dove la figura umana, allusivamente isolata in uno spazio senza tempo, sembra rimandare al dramma esistenziale dell'uomo del Novecento. In occasione del centenario della morte dell'artista, con questa esaustiva mostra, costituita da venti sezioni che pun-tualizzano criticamente l'articolato percorso fattoriano, si propone un'organica panoramica della sua intera produzione, nella ricchezza dei contenuti, dei mezzi tecnici ed espressivi: schizzi di taccuino, disegni compiuti, dipinti a olio, acquerelli e splendide incisioni, spesso riassuntive dei differenti temi.

Misteriose presenze, figure chimeriche, creature fantastiche. La forza suggestiva dell'immaginazione si materializza nei "neri" di Odilon Redon, maestro nell'arte della litografia. Il volume presenta quaranta tavole, tra litografie e incisioni, di uno dei principali esponenti del Simbolismo: dalla litografia del Buddha, icona redoniana, ai lavori ispirati dalla visionaria opera di Gustave Flaubert "La Tentation de Saint Antoine", alle "interpretazioni" de "Les Fleurs du Mal" di Baudelaire. Un viaggio nelle profondità dell'animo umano, un'immersione nel regno del sogno, un omaggio alla bellezza.

La cappella dei canonici nella Cattedrale di Terni con il nuovo ciclo di dipinti realizzati con la tecnica a encausto dai pittori russi Valerij Chernoritskij e Anastasia Sokolova, offre ai visitatori uno spazio dove è possibile respirare la ricchezza dell'arte post-bizantina che gli autori propongono da diversi anni. Lungi dall'essere una riduzione "all'occidentale" della nobilissima arte bizantina tramandata dalle sacre icone lignee e fino a oggi più che mai viva nelle chiese ortodosse, il ciclo mariano di Terni segna uno sviluppo ulteriore nella storia dell'arte delle icone russe. Le posture dei personaggi, i colori, le prospettive e la maniera di trattare la vita di Gioacchino e Anna, i genitori della Vergine, nonché la storia di Maria di Nazareth, richiamano immediatamente la visione tradizionale dell'arte bizantina. I volti, gli sfondi e l'impostazione generale degli affreschi, sentono invece la presenza dell'arte russa dell'inizio del Novecento, Liberty, Art Decò e futurismo compreso. L'interessante approccio dei due artisti stimola così nuove ricerche artistiche e spinge verso una prospettiva ecumenica tra Oriente e Occidente cristiano.

Di formazione architetto, Tommaso Spadolini ha maturato una lunga esperienza nel campo delle imbarcazioni a motore, settore in

La Galleria Estense di Modena nasce dalle raccolte dei duchi d'Este, il cui nucleo originale risale al secolo XIV. Nonostante vicissitudini storiche tormentate abbiano depauperato l'antico patrimonio della famiglia, la Galleria è giunta fino a noi come museo di primaria importanza, incrementato, negli ultimi cento anni, da ulteriori acquisizioni statali. La guida illustra il patrimonio delle collezioni, cha vantano capolavori di varia natura, frutto del collezionismo dei signori d'Este.

La monografia è dedicata all'artista tedesca Nanine Burkart, di cui è proposta una significativa selezione di opere realizzate dagli anni Ottanta a oggi. La scelta del periodo e delle tele documenta l'ultimo periodo di attività trascorso prevalentemente in Carinzia, dove si trova il luminosissimo e silenzioso atelier dell'artista - caratterizzato dall'approdo a una pittura astratta, in cui la forma sembra svanire negli strati di colore. La lettura cronologica delle opere permette di cogliere sia il generale dissolvimento dell'immagine e dello sfondo sia la forte tendenza verso una riduzione nell'uso del colore, tanto da rasentare, in alcuni casi, la monocromia. Questa attitudine tuttavia si è smorzata negli ultimi anni, quando l'artista ha recuperato la presenza dei colori forti - rossi lacca, verdi smeraldo, blu cobalto - spesso accostandoli alla musica, altra sua grande passione.

Il catalogo accompagna una nuova personale dell'artista Simone Butturini (Verona, 1968), che presenta dipinti su tela a tecnic

Il volume è il catalogo della mostra di Novedrate (4 - 25 novembre 2007) dedicata a Carla Badiali, una delle figure di primo piano dell'astrattismo storico insieme ad Aldo Galli, Mario Radice e Manlio Rho. Partendo da alcuni "appunti" giovanili di carattere figurativo, l'esposizione si sofferma sulla produzione storica degli anni fondamentali della sua ricerca - anni trenta e quaranta - per poi raccontare, attraverso un'accurata selezione di opere, l'evoluzione dei decenni successivi. Dalla prima personale tenutasi a Milano nel 1967 fino alle monografiche pubbliche dello scorso decennio, Carla Badiali mostra una vena creativa continua e vitale, che si esprime nei dipinti a olio, nei disegni, fino ai collages, e agli acrilici.

Etienne Braun è uno tra i più importanti fotografi del mondo dello spettacolo. Il suo obiettivo ha inquadrato attori del calibro di Al Pacino e Jeremy Irons sul set de "II mercante di Venezia" (girato nel 2004 con la regia di Michael Radford), o di David Keith e Paris Hilton, protagonisti di "Bottoms Up" (diretto nel 2006 da Erik Mac Arthur). Tra i soggetti dei suoi ritratti figurano inoltre Demi Moore, Martin Landau, Caroline Bouquet, Gerard Depardieu, Catherine Deneuve, Monica Bellucci, Sophie Marceau. In parallelo alla sua attività professionale in ambito cinematografico, Braun ha svolto una ricerca ancora inedita sull'immaginario fetish. Si tratta di un'indagine che tiene conto degli stereotipi del genere, ma li rilegge attraverso un filtro iconografico di matrice fiamminga e una tensione psicologica di natura letteraria. Le donne strette in corsetti o imprigionate in legami sadomaso indossano maschere che le proiettano in una dimensione più surreale che sessuale, in cui il corpo viene ritratto come se fosse una straniante natura morta. Nelle sue foto stampate in un rigoroso bianco e nero, l'erotismo sembra affrancarsi dalla dialettica piacere-dolore e trasformarsi in una dimensione raggelante e sospesa.

Bruno Munari (Milano 1907-1998) è una della grandi figure del design e della cultura del XX secolo. Protagonista dell'arte e del progetto creativo sin dagli anni trenta - con l'invenzione delle "macchine inutili" e con il contemporaneo lavoro di grafica editoriale del tutto innovativo nel panorama europeo - è nel secondo dopoguerra che Munari si afferma come uno dei designer più fervidi: la collaborazione con tutte le aziende più importanti per la rinascita del Paese e una serie di geniali invenzioni ne fanno un personaggio-chiave per la grande stagione del design italiano. In occasione del centenario della nascita (2007), e a quasi vent'anni dall'ultima importante mostra (Palazzo Reale, Milano, 1987), una grande esposizione, che vede riunite oltre duecento opere, gli rende omaggio. Accanto alle opere più note, come i progetti di allestimenti degli anni quaranta e cinquanta, gli interventi artistici in campo architettonico del decennio successivo, i progetti di grafica e la collaborazione con alcune delle realtà più significative per la cultura italiana del dopoguerra, l'esposizione sottolinea anche alcuni aspetti meno indagati dell'opera di Munari, come la collaborazione, praticamente ininterrotta, con molte delle riviste italiane dedicate al progetto, alla comunicazione e all'arte. Il catalogo, corredato da un vasto repertorio iconografico, ripropone le dieci sezioni in cui è scandita la mostra, ed è completato da note bio-bibliografiche.

"La scultura italiana contemporanea approda in Cina, con una nuova e ambiziosa mostra di trentun artisti italiani di diverse generazioni, individuati per la dimostrata capacità di lavorare con i materiali più svariati e per l'abilità di imprimere alla materia nuovi valori plastici e concettuali. La collettiva intende riflettere sull'evoluzione che ha coinvolto la pratica della scultura - termine che, nel presente, non è più in grado di contemplare tutte le modalità di produzione adottate dagli artisti - partendo proprio dal rapporto degli artisti con i materiali i quali, pur se classicamente pesanti, sono capaci, anche grazie alle nuove tecnologie di lavorazione, di perdere sostanza e veicolare nuove energie, quasi a raggiungere un'immagine di puro spirito."