Silvana

La questione delle repliche delle opere di Guido Reni è stata per decenni al centro di un dibattito critico che ancora continua. I due dipinti di San Sebastiano di Palazzo Rosso e della Dulwich Picture Gallery, diversi nella composizione ma vicini in quanto a data, sono parte integrante di questo discorso, perché, nonostante le tante copie conclamate da essi derivate, esistono altre versioni di queste due opere sulla cui autografia la critica si è divisa con pareri non sempre concordi e definitivi. Siamo davanti a originali o a opere di bottega pur eseguite sotto la supervisione del maestro? In realtà i sette San Sebastiano in questione - oltre ai due citati sono presenti in mostra quello della Pinacoteca Capitolina di Roma, quello del Museo del Prado di Madrid, quello del Museo de Arte de Ponce in Puerto Rico e quello della Auckland Art Gallery in Nuova Zelanda - devono essere visti, invece, sotto un altro punto di vista e, allo scopo, gli autori del presente catalogo hanno voluto riassumere le riflessioni critiche che hanno portato a conclusioni tanto diverse, fornendo nel contempo tutti i dati relativi alla provenienza delle tele, così come quelli emersi dai restauri e dalle analisi condotte, al fine di aiutare nel diretto confronto tra i dipinti esposti.

I Macchiaioli rappresentano il più importante movimento pittorico italiano dell'Ottocento e una delle più originali avanguardie nell'Europa di metà Ottocento. Soltanto in tempi recenti gli studi hanno riscoperto la complessità ideologica e culturale sottesa alla vicenda della 'macchia', ragion per cui essa appare oggi non come un fenomeno occasionale e limitato, ma come il portato di una civiltà che vi si riflette nei suoi valori ideali e civili, nelle sue aspettative di libertà e di giustizia sociale, nelle sue predilezioni culturali. La mostra "I Macchiaioli. Sentimento del vero", con gli oltre cento capolavori, raccolti in otte sezioni, si propone di ripercorrere la vicenda di questa originalissima avanguardia pittorica, privilegiando quello che già Emilio Cecchi aveva individuato come l'approdo poetico di quella scuola, ossia il rapporto con la realtà naturale.

In nessun campo come nella pittura, il più grande artista dell'Italia del Seicento è libero dai condizionamenti della società. Bernini traduce questa libertà in una tecnica veloce e impressionistica. Come nella tradizione veneta e in quella caravaggesca, i suoi quadri sono eseguiti senza disegno preparatorio, ed egli si concentra più sul colore, sulla luce e sulla sfida di fermare gli aspetti più sfuggenti della realtà, che non su problemi di composizione o narrazione. Non avendo a che fare con un committente, Bernini può abbandonare il lavoro quando gli sembra d'aver raggiunto i risultati che desidera: di qui l'aspetto abbozzato di molte delle sue opere. Ed è alla stessa libertà che Bernini deve la possibilità di non occuparsi del costume, e di trascurare le convenzioni e perfino il decoro. Nella tensione a fermare per sempre un momento qualunque di una persona qualunque, in questa profonda passione per eternare nei colori e nella luce il volto di garzoni, di giovani artisti, addirittura di bambini e di donne non aristocratici (che era quasi dire il volto di nessuno) sentiamo una modernità che la meravigliosa scultura di Bernini - così felicemente abbarbicata ai valori contemporanei - non conosce, e che getta invece inconsapevolmente un ponte verso il futuro della storia dell'arte.

Il volume accompagna una mostra allestita alla Mole Vanvitelliana di Ancona che propone al pubblico, dopo trent'anni dall'ulti