Arte

Perfettamente in linea con la sua fama d'artista poliedrico e fuori dagli schemi, il Duchamp scrittore dissemina di intuizioni "eretiche" questa raccolta di contributi sul mondo dell'arte. Affiancati da schizzi e disegni, gli scritti di Duchamp assumono la forma del frammento, della riflessione che tende programmaticamente al paradigma dell'incompletezza non per proporre certezze ma per suscitare dubbio e disorientamento, in tipico stile Duchamp.

Il volume tratta le nuove strategie progettuali nella definizione di spazi abitativi capaci di accogliere articolazioni spazia

Con tutta probabilità, la Pop Art è stato il movimento artistico piú rivoluzionario dal dopoguerra a oggi. Spostando l'attenzione dalla straordinarietà al quotidiano, la Pop Art ha demolito l'ideale di ogni forma di Modernismo, che trovava nell'interiorità tormentata la sua unica fonte d'ispirazione, rendendo cosí l'arte piú immediata, divertente, contemporanea e vicina alle masse: un'arte che ebbe come modelli lattine di Coca-Cola, star del cinema e fumetti. A partire dalle testimonianze dirette di alcuni grandi protagonisti, Alastair Sooke si sofferma non soltanto sulle celeberrime opere di Warhol, Lichtenstein e dei loro contemporanei, ma anche su quelle di autori che, se furono cruciali per il movimento, oggi sono per lo piú dimenticati: tra questi, Marisol Escobar, ai suoi tempi quasi più celebre di Warhol, e la ex wrestler professionista Rosalyn Drexler. Nella sorprendente prospettiva del critico inglese, la Pop Art non riguardò solo New York, ma anche Londra, la West Coast americana e l'Europa, e continua soprattutto a fecondare la produzione di alcuni dei piú importanti e discussi artisti di oggi.

L'Ultima cena di Leonardo è una delle immagini più affascinanti della storia dell'arte e insieme una delle più popolari e misteriose. La sua stessa condizione la rende visibile e invisibile allo stesso tempo, perché, narrando della precarietà della vita, mostra anche la possibile dissoluzione dell'arte. Per questo le opere illustrate nel volume sono a rileggere questa icona lungo i tratti della tradizione e anche alla luce delle nuove tecniche artistiche o attraverso visioni laiche che, solo in apparenza, possono sembrare provocatorie o dissacranti. In fondo, quella grandiosa immagine di Leonardo ricorda a ognuno di noi che per tutti ci sarà un'ultima cena. Queste pagine vogliono essere una riflessione a tutto campo sulla morte e la vita, sulla fedeltà e il tradimento, sull'arte e sull'estetica diffusa, infine sul passato e sul nostro presente.

Il volume è il catalogo della mostra di Firenze (19 maggio - 11 settembre 2016)

Nella Parigi fin de siede le utopie politiche e sociali fondono il positivismo e la fede nel progresso con l'aspirazione a risolvere i grandi problemi dell'umanità. Gli artisti partecipano di questo clima e alcuni pittori tentano di superare le vaghezze dell'Impressionismo mettendo a punto un procedimento per la definizione sistematica di belle immagini. Sono i "neoimpressionisti", come li chiama Félix Fénéon, lucido interprete della "scomposizione scientifica del tono" praticata da Georges Seurat, Paul Signac e altri. Con la sua prosa concisa ed evocativa. Fénéon perora tempestivamente la causa del Neoimpressionismo e ne chiarisce la portata rivoluzionaria, svelando i presupposti delle sue innovazioni tecniche. Questa antologia raccoglie testi scelti di Fénéon, inediti in italiano, per restituire un esempio storicamente significativo di critica militante condotta con i mezzi della letteratura più fine.

Musei di ogni scala e differente gloria: tutti ugualmente riconosciuti come luoghi di stupore, di gioia, di immaginazione, di relazione e di conoscenza. Sempre amici e dunque soprattutto accoglienti: che soddisfano richieste e pongono interrogativi attraverso testi riflettenti esperienze e teorie, norme e passioni, memorie e progetti, lesti eterogenei, prodotti per occasioni diverse ma vi unificali in una stessa narrazione autobiografica: dell'autore e delle vicende museografiche e museologiche degli ultimi decenni. Come dai migliori musei se ne esce informali e. ancor più motivati ad altre visite.

Un "classico del design" è un oggetto fabbricato industrialmente con un valore estetico che trascende il tempo. Rappresenta uno standard nel suo genere e, indipendentemente dall'anno dell'ideazione, è sempre attuale. Gli oggetti di questo libro, tuttora in produzione, sono presentati cronologicamente: ciascuno su una singola pagina, con l'immagine in grande e una didascalia sintetica, opera di un esperto nell'ambito del design (gli autori sono più di cinquanta). Questi brevi scritti forniscono un contesto storico, con dati essenziali sull'evoluzione dello stile, e una spiegazione del perché quel particolare design è importante e innovativo. Questa mini edizione offre a chi legge una comprensione non solo della storia del design, ma anche di quella del gusto e della cultura. È un viaggio straordinario attraverso gli oggetti che hanno modellato la nostra società, dai primi tentativi di associare funzionalità e bellezza nel XIX secolo, attraverso l'estetica della macchina degli anni Trenta, l'avvento della plastica e di altri materiali nuovi negli anni Cinquanta e Sessanta, fino ai "classici di domani" dell'ultimo decennio. Questo libro include non solo oggetti classici creati da designer di fama internazionale, quali Breuer, Le Corbusier, Dreyfuss, Eames, Yanagi e Castiglioni, per citarne soltanto alcuni, ma anche pezzi di cui non si conosce la paternità, come le mollette da bucato, la sedia a sdraio, il cavatappi e le bacchette per il cibo, che, sia pure in assenza di un designer specifico, hanno raggiunto una tale perfezione di stile e funzionalità da non presentare più alcun margine di miglioramento. Dalla graffetta al vaso Savoy di Alvar Aalto, alla Jaguar Type E, tutti gli oggetti raffigurati in questo libro hanno un posto sulle nostre scrivanie, negli armadi, in cucina, nella borsa, nei nostri sogni e nelle nostre tasche.

Quello che qui viene presentato è uno dei numerosi saggi che lo scrittore Yves Bonnefoy ha dedicato all'opera di Giacometti. Poiché il testo si concentra sull'interpretazione del periodo definito 'surrealista' all'interno della parabola creativa dell'artista, sono stati riportati in Appendice due degli scritti di Giacometti vicini alle tematiche del periodo in questione: 'Il sogno, lo Sphinx e la morte di T.' e la 'Lettera a Pierre Matisse', una sorta di autobiografia spirituale dell'artista, in cui si evidenziano le tappe che lo condussero ad abbandonare 'la costruzione di oggetti in sé stessi' a favore di un rinnovato avvicinamento alla realtà. Il saggio è accompagnato dalle riproduzioni delle opere dell'artista citate da Bonnefoy.

Il volume, a cura di Diego Sileo e Giacomo Zaza, analizza le più importanti pratiche artistiche cubane contemporanee, fornendo