Vita e pensiero: Università/Storia dell'arte

Il secondo numero dei "Quaderni di Storia dell'arte" rende omaggio a Maria Grazia Albertini Ottolenghi, docente di Storia dell'arte moderna e Storia dell'arte lombarda presso l'Università Cattolica.

Come l’arte influisce sulle nostre vite? Che cosa succede quando osservando un’opera abbiamo un’intuizione, un momento di consapevolezza e in che modo si riavvia il processo di conoscenza e di comprensione, quella ricerca di significato che è propria del genere umano e che stabilisce il rapporto con il tutto? Queste e altre domande sono al centro delle ricerche che gli autori dei saggi portano alla luce attraverso diverse indagini sulle posizioni filosofiche di Gaston Bachelard, Bernard Lonergan, Susan Langer, Abraham Maslow. È a tema anche il ruolo pionieristico dell’americana Hilla Rebay, cui si devono le scelte orientative che andarono a costituire la collezione di Samuel Guggenheim, oltre al dibattito sulla concezione che sottende la costruzione del museo Guggenheim ad opera di Frank Lloyd Wright nel suo costitutivo nesso con la mission educativa. Come quello della Rebay, il pensiero teorico di Irene Woinar, pedagogista polacca, nasce in risposta ai bisogni della vita, quali l’educazione e la trasformazione della società. A tal fine il punto è sempre il cambiamento della persona che l’arte può favorire grazie alla sua capacità di rendere percepibili le dimensioni più profonde dell’esistenza. Alla ricerca teorica si affianca anche la ricerca applicata in due casi di studio che dimostrano quanto le esperienze proposte in un diretto contatto con l’opera d’arte agli adulti piuttosto che ai bambini possano essere trasformative. Il volume, in continuità ad altre ricerche, è il primo che nasce nell’ambito del CREA (Centro di Ricerca per l’Educazione attraverso l’Arte e la mediazione del patrimonio culturale sul territorio e nei musei) dell’Università Cattolica.

Tra la fine del XX e l’inizio del XXI secolo, in Italia, quasi tutte le diocesi, numerose parrocchie, ordini religiosi e confraternite hanno istituito i propri musei. Le diocesi ne hanno istituiti e ne gestiscono più di 200, gli altri enti ecclesiastici circa 600. Lo scopo di questo notevole impegno della Chiesa è duplice: conservare il patrimonio culturale e renderlo visibile al grande pubblico. Così, nell’arco di qualche decennio, in modo assai discreto, in tutte le regioni sono ‘spuntati’ piccoli e piccolissimi musei, testimoni della storia religiosa e artistica che in Italia è stata così ricca e varia. La rete degli 800 musei ecclesiastici italiani, tuttavia, è ancora scarsamente visibile ed è oggi poco conosciuta e studiata. Questo libro si propone di documentare la recente fioritura di musei ecclesiastici italiani analizzandone le principali caratteristiche: la storia, la consistenza, la localizzazione, le condizioni di fruibilità e le forme di gestione. Particolare attenzione viene dedicata alla figura del museo diocesano che, nel vasto e articolato sistema dei musei ecclesiastici, è chiamato a ricoprire un ruolo centrale. Anche la gestione delle recenti istituzioni museali della Chiesa viene analizzata e valutata criticamente tenendo conto degli elementi di forza, senza ignorare quelli di debolezza. In appendice sono presentate le ‘linee guida’ dei musei ecclesiastici, contenute in un documento pubblicato dalla Pontificia Commissione per i Beni Culturali della Chiesa il 15 agosto del 2001.

Il volume raccoglie gli atti del convegno: «Visioni musicali». Rapporti tra musica e arti visive nel Novecento (Università Cattolica di Milano, 12 maggio 2006) e alcuni contributi connessi al tema di quell’incontro. Nei diversi interventi sono trattate molte delle infinite declinazioni del tema, vasto e sfaccettato, del confronto tra l’espressione visiva e quella sonora. Si spazia da saggi di carattere storico, a firma di studiosi della materia, a testimonianze provenienti dal fronte creativo: di artisti che guardano alle possibili implicazioni della propria ricerca con il mondo della musica, anche sotto l’aspetto procedurale, e di compositori che si ispirano o cercano di ipotizzare contaminazioni tra il linguaggio dei suoni e quello dei colori e delle forme. Corrispondenze, scambi, ibridazioni: queste le direttrici principali di un dialogo che ha conosciuto, dalla fine del XIX secolo a oggi, molteplici linee di sviluppo. Dall’età simbolista alla stagione delle avanguardie storiche, dai fermenti novatori degli anni Sessanta e Settanta fino alle manifestazioni più recenti delle due discipline, musica e arti visive non hanno mai cessato di scrutarsi, confrontarsi, influenzarsi. Una relazione tormentata ed entusiasmante, di cui questo libro tenta di dar conto con la vivacità di un’esperienza vissuta.

Gli Studi in onore di Francesca Flores d’Arcais inaugurano i «Quaderni di Storia dell’arte », una nuova pubblicazione periodica promossa dall’Istituto di Storia dell’arte dell’Università Cattolica del Sacro Cuore di Milano, pensata come ‘luogo’ in cui s’intrecciano ricerca e didattica, quale collana al tempo stesso autorevole e libera, rigorosa e aperta al dialogo. Non si poteva iniziare in modo migliore che rendendo omaggio a Francesca Flores d’Arcais, ringraziandola per l’alto magistero svolto in Università Cattolica. La raccolta in suo onore comprende studi di storia dell’arte dall’età paleocristiana a quella contemporanea, offerti da colleghi, giovani studiosi e allievi che hanno lavorato con lei in Università Cattolica, con contributi che segnalano numerose opere inedite, presentano nuove, rilevanti proposte critiche, indicano innovativi apporti interdisciplinari.